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アン・セット・シス『ジョン・ウィリアムズ ピアノ・コレクション』


前島秀国 / 更新日:2021年10月13日


山中惇史と高橋優介のピアノ・デュオ、アン・セット・シスが、ウィリアムズの映画音楽のピアノ・トランスクリプション集『ジョン・ウィリアムズ ピアノ・コレクション』を録音した(編曲は山中)。CD封入の解説書の楽曲解説を書いた手前、アルバムのインプレッションの公表をこれまで控えていたが、本日無事リリースされたので、以下に僕の考えを綴る。



2ヶ月以上前に音源を初めて聴いた時、まず純粋に驚いた。このアルバムが、よくあるレコード会社主導の企画のような、単純な「ジョン・ウィリアムズ名曲集」ではなかったからである(もし、レコード会社がその種のアルバムを望んでいたら、この選曲では絶対にOKを出さないだろう)。確かに『ハリー・ポッター』や『スター・ウォーズ』のような有名曲は演奏されているが、アルバムをじっくり聴いてみると、日本で全く知られていないテレビ番組のテーマ曲とか、映画本編で未使用に終わった楽曲(サントラには収録)とか、要するに「知られざるジョン・ウィリアムズ」と呼ぶべき楽曲が少なからず収録されており、それがアルバム全体にユニークな個性をもたらしているのである。アン・セット・シスが、映画そのものやテーマ曲の知名度に拘っていないことは明らかだ。彼らは、いわゆる「映画音楽集」とは全く異なる構成原理でこのアルバムを録音している。

それがいちばんわかりやすく表れているのが、アルバムの前半に演奏されている『ハリー・ポッター』シリーズからの5曲だろう。

まず、誰でも知っている「ヘドウィグのテーマ」は、原曲ではチェレスタがテーマ旋律を導入するので、これをピアノ(の高音域)に置き換えて演奏するのは、音楽的にも非常に理に適っている。山中の編曲譜を見ていないので正確にはわからないが、第1ピアノがテーマ旋律を歌うかたわら、第2ピアノがアルペッジョの音形――フクロウのヘドウィグの飛翔を表現している――を繰り返す。原曲の管弦楽版では、このアルペッジョはどちらかというと背景的な伴奏音形のように聴こえてくるのだが、今回の山中の編曲版では、わざわざもう1台のピアノにアルペッジョを弾かせることで、アルペッジョの存在感が原曲以上にはっきりと伝わってくる。このセクションだけで、彼らは2台ピアノでジョン・ウィリアムズを演奏する意味を見事に表現していると感じた。

「ヘドウィグのテーマ」の次のセクション、すなわち8分音符のリズムを細かく刻むテーマのセクションは、原曲の管弦楽版では木管――確かコーラングレ、クラリネット、ファゴットだったと思う――がテーマを導入するのだが、アン・セット・シスの演奏は、わざわざピアノで「木管らしいニュアンス」を表現しようなどという小賢しい技は使っていない。あくまでもピアノにふさわしい、明確なタッチでこの第2主題部を鮮やかに導入している。原曲の管弦楽版の印象とは異なるかもしれないが、ピアノ音楽としての論理はしっかり貫かれている。だから、ピアノでやる意味があるのだ。

ここまでの約100小節でこの調子だから、細かく見ていくと面白すぎてキリがない。小煩いサントラ・ファンは「なぜ有名曲の『ニンバス2000』が入っていないのか?」とか、些細なツッコミを入れてくるかもしれないが、5曲全体を通して聴けばわかるように、そもそも山中たちは「ハリー・ポッター名曲集」を全く意図していない。あくまでも、2台ピアノのための性格小品集あるいは組曲として聴き応えのあるものにするため、本盤収録の5曲を選曲しているのである。少なくとも、僕はそう感じた。でなければ、映画本編でボツになった「ダイナゴン横丁」をわざわざ中間楽章に含めたりしないはずだ。このユーモラスでこっけいな楽曲は、5曲全体の中でスケルツォ楽章的な役割を果たしているので、これがあるのとないのとでは、組曲としての面白さがずいぶん変わってくる。

しかも、5曲のうちの3曲は、最初に触れた「ヘドウィグのテーマ」が直接的に登場するか、あるいはそこから派生したテーマが登場するので、結果として組曲全体に有機的な統一感がもたらされている。映画の物語とは違うかもしれないが、これはこれでひとつの物語、つまり音楽的論理に基づくピアノ組曲としての物語を持っている。曲の知名度だけで選曲していったら、今回の組曲のような音楽的充足感は全く得られなかったはずである。

このまま全曲に触れていくとライナーノーツ以上の長さになってしまうので、多くの評者があまり触れないであろう、アルバム収録の山中のオリジナル曲について触れておく。

アルバムで演奏されているウィリアムズ作品の組曲(あるいは、かたまり)の前後には、山中が書き下した「Opening」、3つの「Intermission」、それに「Song for John」の計5曲が併録されている。このうち、演奏時間各1分弱の「Opening」と「Intermission」は、2つの和音で構成されたモティーフ(あるいはテーマ)が発展していく形で構成されている。音楽的には一種のヴァリエーションと言ってもいいかもしれないが、ウィリアムズ作品の合間にこうしたモティーフをサンドイッチしていく構成は、実のところ、非常に映画音楽的な手法ではないかと感じた。ウィリアムズ自身の映画音楽でも、例えば(本盤では演奏されていないが)『未知との遭遇』や『ジョーズ』に聴かれるような、ごく限られた音数のモティーフで映画全体に統一感をもたらした実例がある。もちろん、作曲家としての山中はウィリアムズの語法をそのまま継承しているわけではないので、モティーフそのものは非常に現代的に書かれているが、ある程度、映画音楽の手法に慣れ親しんだリスナーならば、山中が意図した構成を素直に受け入れることが出来るのではないかと思う。だから、最後の「Song for John」を聴いた時、僕は「ああ、これは巨匠にオマージュを捧げた“エンドロールの音楽”の曲なのだ」と直感的に察知した。

このアルバムを聴いていると――ちょうどサントラを聴きながらまだ見ていない映画のシーンを思い浮かべるように――さまざまな空想に駆られる。「例えばこの『ハリー・ポッター』の組曲を、『くるみ割り人形』2台ピアノ版と同じプログラムで演奏してみたらどうなるだろうか?」「ウィリアムズが原曲でもピアノを効果的に用いた楽曲――例えば『E.T.』や『帝国の逆襲』や『サブリナ』など――をこのアン・セット・シスが演奏したらどうなるだろうか?」などなど。今後、彼らがさらなるウィリアムズ作品集を作り上げていくのかわからないが、ともかくも今週10月15日に浜離宮朝日ホールで同じプログラムを披露するというので、僕はとても楽しみにしている。

ジョン・ウィリアムズ作曲「ヴァイオリン協奏曲第2番」世界初演の配信映像を見て


前島秀国 / 更新日:2021年7月31日


アンネ=ゾフィー・ムターがジョン・ウィリアムズに作曲を委嘱した「ヴァイオリン協奏曲第2番」が7月24日(現地時間)タングルウッド音楽祭にて、ムター独奏、ウィリアムズ指揮ボストン響の演奏で世界初演された。翌日25日より、DG Stageで期間限定有料配信された映像を見てのレビュー。



 『ジョン・ウィリアムズ ライヴ・イン・ウィーン』のブルーレイをご覧になったリスナーならば、特典として収録していたジョン・ウィリアムズとアンネ=ゾフィー・ムターの対談映像の中で、ふたりがヴァイオリン協奏曲とおぼしき新作の誕生を匂わせるような発言をしていたのを、覚えておられるかもしれない。「曲を書くとしたら、君(=ムター)の印象に基づくポートレートにしたい」とか、「ベルクの協奏曲はオケが厚すぎて独奏ヴァイオリンが鳴らない」とか、かなり具体的な内容を語っていたので、対談映像という形で公表した以上、おそらく実現に向けた計画が進行しているのだろうと予測することは出来た。

 ふたりの対談は、2020年1月ウィーン・フィルでの共演の際に収録されたので、それから約1年半を経て、ムターのための新作、すなわち「ヴァイオリン協奏曲第2番」が初演されたことになる。独奏ヴァイオリンとオーケストラのための演奏会用作品をウィリアムズが書いたのは、「ヴァイオリン協奏曲第1番」(1976)、「ツリーソング」(2000、ギル・シャハムのための)、「マーキングス」(2017、ムターのための)に次いで、これが4作品目のはずである。

 ウィリアムズが演奏会用の協奏曲を書く時は、原則として映画音楽作品のようなキャッチーなメロディは封印し、場合によってはかなり調性感の薄い音楽も書くので、この作品が『シンドラーのリスト』のような曲ではなく、玄人好みの曲に仕上がるであろうことは、予め想像がついた。で、実際にその通りだったのだが、それだけでなく、もしかしたらウィリアムズがこの純音楽のジャンルに新しい方向性を見出し始めたのではないかというのが、これまで彼の作品を聴いてきた一(いち)ファンとしての印象である。

 演奏時間約35分の「ヴァイオリン協奏曲第2番」は、第1楽章<Prologue>、第2楽章<Rounds>、第3楽章<Dactyls>、第4楽章<Epilogue>。独奏ヴァイオリンに加え、ハープがかなり重要な役割を果たすのは、ムターのために書いた「マーキングス」の方法論を踏襲している。

 そのハープが、第1楽章冒頭で『未知との遭遇』の5音モティーフのはじめの3音を導入するのを聴いて、思わずのけぞってしまった。はじめの3音だけとはいえ、指揮台で振っているのがウィリアムズ本人なのだから、「この3音は映画と関係ありません」と否定するのは無理である。でも、見方を変えれば、たった3音だけで代表作のひとつと自分の存在をたちどころに伝えることができる作曲家なんて、そうそう存在するものではない。この3音から主題となるべき素材がオケによって導き出され、独奏ヴァイオリンが第1主題部と思しき部分を演奏し始めるのだが、美しいとは言え、1度聴いただけでとても覚えられるような旋律ではない(これに比べればベルクのほうが、ずっと易しい)。この部分がひとしきり演奏されると、オケだけのセクションに移るのだが、その響きは紛れもなく『スター・ウォーズ』、それも『帝国の逆襲』や『フォースの覚醒』以降の暗いロマンを秘めた漆黒の響きである。このセクションは明確な主題を持った音楽ではないので、サントラをある程度聴き込んでいないと、その特徴に気づかないかもしれない。その後、より優美な第2主題部を独奏ヴァイオリンが導入するが、第1主題部をシリアスな芸術音楽の象徴、第2主題部をヴァイオリンの美の象徴と考えれば、このプロローグはやっぱりムターのポートレートか、あるいはヨーロッパの伝統を継承する何かを表現しているのだろう、という想像はつく。というのは、他の楽章についても言えるのだが、このヴァイオリン協奏曲は、ウィリアムズのこれまでの協奏曲と異なり、“アメリカ”を感じさせる要素がほとんど存在しないからである。

 第2楽章は、その名の通りロンド形式で書かれているので、音楽の形としては非常にわかりやすい。ただ、ここでも、最初のオケの序奏が『宇宙戦争』か何かのような外宇宙的神秘を感じさせるサウンド(オーケストレーションが本当に素晴らしい)で始まり、ややミニマルな音形も加えながら、楽章の中ほどで『未知との遭遇』のマザーシップ到来のような輝かしいクライマックスに達する。その間も、ムターのヴァイオリンはずっと歌い続けているのだが、カデンツァ風の短いソロの後、推進力を増したオケが演奏するのは、おなじみのウィリアムズ節が全開するチェイス・シーンか何かの音楽である。

 そして第3楽章だが、個人的にはこの楽章が最もユニークで、かつ非常にショッキングな音楽だと感じた。楽章名の<Dactyls>とは、英詩の強弱弱格のことを指すが、要するに「ズンチャッチャッ」、つまりワルツのリズムである。このワルツ楽章が、ウィリアムズのウィーン・フィル指揮の体験およびウィーン滞在の影響で書かれたことは、ほぼ間違いないと思う。しかしながら、そのワルツはラヴェルの「ラ・ヴァルス」のような洗練された諧謔というよりは、むしろかなりグロテスクな皮肉と評したほうが適切である。とにかく、オケがエネルギッシュかつダイナミックに「ズンチャッチャッ」を演奏し続けるので、しまいにはホラー映画の“悪魔のワルツ”のような様相を呈してくる(ある意味で、ベルクの「管弦楽のための3つの小品」第2楽章に非常に近い)。これがウィリアムズの滞在したウィーンの印象なのだとしたら、いったい彼はウィーンで何を見てきたのだろう?

 最後の第4楽章<Epilogue>は一種のエレジーというか、悲しい結末を迎えるラストシーンの音楽である。ベルクのヴァイオリン協奏曲へのオマージュであることは疑いないが、なぜこんなに悲しいのだろう? ジェダイか誰かが亡くなったのだろうか? それとも、パンデミックの犠牲者に捧げた悲歌なのだろうか? 独奏ヴァイオリンのソロが、ベルクと同じく、最後は天使の昇天のように終わるので、なおのことそういった印象を受ける。不思議な音楽である。

 映像配信で見ただけなので、おそらく現地で配られたであろうプログラム・ノートは読んでないし、したがってこの作品がどういう意図で書かれ、どういう内容を表現しようとしたのか、本当のところはまだわからない。しかしながら、この映像を見ただけでも、これまでウィリアムズがこれまでの純音楽作品の作曲で避け続けてきた映画音楽的な語法にある程度歩み寄りながら、映画音楽作曲でも委嘱作品の作曲でもない、“ウィリアムズ自身の音楽”を書く意欲を見せ始めたことは確かである。

 これだけの作曲家でありながら、ウィリアムズが交響曲(1966)を1曲しか書いておらず、しかも出版もせずに事実上、演奏禁止にしてしまっているのが非常に意外だが、それは“自分のため”ではなく、“誰かのため”の作曲――スピルバーグであれ、ルーカスであれ、ムターであれ――こそが自分の使命だという態度を、彼が半世紀以上にわたって頑なに守り続けてきたからだろう。その態度に少し変化が見えてきたのではないかと、今回の「ヴァイオリン協奏曲第2番」世界初演の映像配信を見て感じた。

 アンコールは、やはりムターの独奏とウィリアムズの指揮で『スター・ウォーズ クローンの攻撃』~「アクロス・ザ・スターズ」の改訂版。

久石譲指揮ワールド・ドリーム・オーケストラを聴いて(その2)


前島秀国 / 更新日:2021年4月26日


緊急事態宣言発令により、はからずもツアー最終日となってしまった久石譲指揮新日本フィル ワールド・ドリーム・オーケストラ(W.D.O.)の4月24日公演より、プログラム前半に演奏された久石の《交響曲第2番》(世界初演)の演奏評。



《交響曲第2番》は、もともと2020年9月にパリとストラスブールで世界初演が予定されていた作品だが、コロナ禍により世界各地での演奏が2022年4月以降に延期されたため、今回のW.D.O.公演が世界初演となった。第1楽章のタイトル「What the world is now?」に端的に表れているように、昨年のパンデミックの最中に久石が作曲した作品である。

私見では、《交響曲第2番》は近年久石が演奏会用作品で好んで用いている変奏曲形式への関心と、数え歌もしくはわらべ歌のようなシンプルな旋律からいかにシンフォニックな音楽を構築していくかという実験を試みた作品だと思う。全体は3楽章からなるが、3つの楽章すべてが変奏曲形式で書かれた交響曲というのは、ほとんど皆無ではないかと思う。もともとミニマル・ミュージックはーー主題なりモチーフを繰り返しながらそれを変形していくという意味でーー変奏曲形式と相性がいいし、そもそもミニマル自体が変奏技法のひとつなのではないかとみなすことも出来る。とは言え、それぞれの楽章の変奏形式に工夫を凝らし、飽きがこないように構成しなければ、交響曲として成立しない。その危険を敢えて承知した上で変奏曲形式にこだわりつつ、ミニマリストならではの交響曲を書き上げたところに、作曲家としての久石の野心が見える。

第1楽章「What the world is now?」は、全曲の中で最も凝集度の高い変奏曲として書かれており、リズムを重視した推進力あふれる音楽という意味では、ベートーヴェン的なアプローチと言えるかもしれない。最初にチェロで変奏動機がはっきり導入されるので、音楽の流れ自体は非常に追いやすい。ただし、実際の変奏プロセスは大変に濃密であり、オーケストラ内で複数の変奏が同時多発的に起こっているような印象すら受ける。にもかかわらず、楽章全体を貫くリズムは常に淀みなく進んでいくので、いわば車窓の眺めに見惚れているうち、気がついたら目的地に着いていた、という感じである。その眺めは自然の風景というより、オーケストラという“工場”のあちこちから色鮮やかなライトが明滅する“工場夜景”と表現したほうが適切かもしれない。しかもその“工場”は、夜間にも関わらずフル回転しているのである。

ユーモアにあふれた第2楽章「Variation 14」は、いわばスケルツォ楽章の役割を果たしている。テーマと14のヴァリエーションで構成されており、形式的には伝統的な変奏曲に最も近い(つまり各変奏のキャラクターがはっきりしている)。個人的には、いくつかのヴァリエーションでガーシュウィンやバーンスタインの匂いを感じた。その理由のひとつは、それらのヴァリエーションで中南米風の打楽器が活躍するからだと思う。厳密にはワールド・ミュージックではないけれど、南国な日差しを思わせるカラフルなオーケストレーションの効果は絶大で、理屈抜きに楽しく、ノレる。昨年の「Music Future Vol.7」で室内オーケストラ・ヴァージョンを聴いた時、このキャッチーな楽章は久石の近年の代表作のひとつになるのではと確信したが、今回の正式な世界初演を聴いても、その確信は全く変わらなかった。

そして、全曲の中で最も長い第3楽章「Nursery rhyme」(約15分)は、驚くべきことに《かごめかごめ》風のわらべ歌(厳密には全く同じではなく、多少変形が加えられている)を主題を用いた変奏曲として書かれている。常識的に考えれば、この種のわらべ歌を主題にして管弦楽のための変奏曲を書く場合、意識的にせよ無意識的にせよ、子供の声域に近い音域で最初に主題を導入するだろう。ところが、久石はその裏をかき、子供の声域から最も遠いコントラバスのソロで主題を重々しく導入するのである! その主題はわらべ歌というより、まるで哀歌か何かのように足を引き摺りながら、低弦部によって変奏が加えられていく。この部分を聴いて、僕は即座にヘンリック・グレツキあるいはアルヴォ・ペルトの音楽を思い起こした。つまり、ホーリー・ミニマリズム特有の“東欧の悲しみ”が、このアダージョの変奏部分にはっきりと現れている。我々日本人は、変奏主題が《かごめかごめ》に由来すると認識するので、いっそう大きなショックを受けるかもしれない。だが、そうした文化的背景を持たない海外のリスナーが聴けば、また違った印象を受けるだろう。

アダージョの変奏が続いた後、第3楽章は途中からアップテンポになり、同じ主題を用いた変奏がエネルギッシュかつダイナミックに展開されていく。今までのアダージョの部分を4楽章形式の交響曲の緩徐楽章とみなせば、この《交響曲第2番》は実質的に4楽章形式で書かれた作品と捉えることも出来るし、あるいは、アダージョの部分が伝統的なソナタ形式の主題提示部、アップテンポの精力的な変奏部分が展開部と考えることも出来る。要は、その2つの側面を備えているわけで、これは非常に面白い作曲上のアイディアだと思った。アップテンポの部分が巨大なクライマックスを築き上げた後(ここで曲が終わったと感じた聴衆も少なからずいたようである)、改めて変奏主題がマエストーソでーー楽譜にそう指示されているかどうかわからないがーー再現し、荘重かつ誇り高く変奏主題が演奏される。そしてコーダでは、変奏主題は再びコントラバスの静かなソロに回帰していく。

大変にドラマティックな構成を持つ楽章であり、それが変奏曲であることを意識しなくても、音楽から伝わってくる物語性に圧倒された。もし、僕が海外の音楽評論家だったら、例えばこんな風に書くかもしれない。「久石は、江戸時代から伝わる童謡主題を悲痛に導入することで、第2次世界大戦で日本人が受けた悲しみを前半部のアダージョで象徴した後、主題のエネルギッシュな変奏によって20世紀後半の日本の経済的成長と躍進をダイナミックに表現し、さらにその主題をサムライのようなマエストーソで今一度再現することによって、日本人のアイデンティティの在り処を問いかけているのかもしれない」。これはあくまでもひとつの解釈だが、聞き手は自分の関心と音楽的経験に応じて、この楽章からさまざまなストーリーを引き出すことが可能である。

同時にこの《交響曲第2番》は、オーケストラにとってのリトマス試験紙のような性格を持つ作品として書かれているのではないか、という印象も受けた。今回世界初演したW.D.O.すなわち新日本フィルは、どの楽章も精緻に、かつ真摯に演奏していたが、普段からミニマルを得意としているオケならば第1楽章は全く違った感触になるだろうし、ラテン的な性格の強いオケならば第2楽章はもっと“遊び”が出てくるだろう。第3楽章の東欧的なアダージョに敏感に反応するオケもあるだろう。したがって、今後予定されている世界各地の演奏で、ずいぶんと性格が変わってくる可能性がある。そういう意味では、今後の再演で《交響曲第2番》がどのように成長していくのか、大いに期待したい。
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